nihonga

La construcción de un museo como excusa para la revitalización de una zona, es un tipo de actuación urbanística de la que no escapa ninguna ciudad. A veces, es una medida que resulta ser un acierto, mientras que otras veces, los museos caen en el olvido tras la pomposa inaguración oficial, y pasan a convertirse en una simple estadística en la oferta cultural de la ciudad.

El museo arte contemporáneo de Tokio (MOT) es un ejemplo de como este tipo de edificios poco contribuyen a cambiar el aspecto de una zona. Situado en la zona de Kiyosumi, cercana a la bahía de Tokio, el museo se encuentra en el medio de hasta cuatro líneas diferentes de metro, sin estar cerca de ninguna de ellas. El paseo hasta el museo es un recorrido por una ciudad dormitorio de altos edificios, cruzado por grandes avenidas de intenso tráfico. En un claro rodeado de bloques colmena, se alza un museo de grandes proporciones, que confrontado con el parque saturado de niños de su alrededor, parece el esqueleto muerto de un enorme tobogán de hormigón.

La exposición permanente del museo es la típica colección hecha a retales de conocidas piezas de Warhol y Liechtenstein, cosida con artistas japonesas contemporáneos de dudoso prestigio, junto con obras de rvalorizados artistas. La colección no tiene ningún tipo de orden ni proyecto, ni declaración de intereses, por lo que es totalmente prescindible. Sin una colección permanente digna, la razón de ser del museo se sostiene en sus exhibiciones. Si museos de arte contemporáneo como el de Mito han adoptado una línea rompedora pero continuista en su planteamientoen cuanto a la elección de sus exhibiciones, que les ha valido el contar con el apoyo y el respeto del mundo de arte, el museo de Tokio, pese a contar con mayor presupuesto, no ha sabido encontrar todavía un camino definido en cuanto a su concepción del arte moderno, y sus irregulares exposiciones van desde valores consolidados como Araki o Yoko Ono, a "descubrimientos" artísticos de lejanas geografías que resultan ser decepcionantes. La única feliz ocurrencia de este museo ha sido el montar una exposición anual en torno a nuevos talentos del panorama artístico japonés. Una especie de "alternativa" artística que desde que empezó en 1998, ha logrado consolidarse como una plataforma para que los nuevos talentos lleguen al gran público.

En teoría, el museo invita a varios artistas jóvenes, y ellos preparan una exhibición en torno a un tema elegido por el museo. En la práctica, los temas elegidos son tan vagos, que los artistas presentan obras ya realizadas e incluso exhibidas en galerías, y luego tratan de justificar la elección con el tema de turno (los más educados), o directamente hablan de las razones de su obra. El tema de este año era "No border", aunque afortunadamente fue el subtítulo "De nihonga a nihonga" el que dió cohesión a la exposición.

Sobre el término nihonga hay diversidad de opiniones. Para los más puristas es un tipo de pintura tradicional japonesa, conseguida a base de pigmentos naturales aplicados sobre papel japonés (washi). Para otros, la técnica queda en un segundo plano, y aludiendo a su significado literal (imágenes japonesas), nihonga es cualquier forma de expresión artísitca japonesa (de pinturas a grabados ukiyoe) que contenga elementos característicos de la imaginería japonesa, y que por tanto, se contrapone al arte occidental o yoga.

Fuyuko Matsui - Nyctalopia, 2005.

De los siete jóvenes artistas invitados (de entre 35 y 40 años), todos coincidían en la técnica tradicional excepto Tenmyouya Hisashi, mientras que sólo Matsui Fuyuko, Nagasawa Akira, Mise Natsunosuke y el mismo Tenmyouya optaron también por una reinterpretación de la temática tradicional japonesa. Aunque la calidad de la obra de los artistas era bastante irregular, aparte de un ya conocido Tenmyouya, disfruté con dos artistas que creo que darán de que hablar en un futuro: Mise Natsunosuke y Matsui Fuyuko.

Mise Natsunosuke crea sobredimensionados panoramas en papel japonés o biombos, que poco tienen que ver con el estilo minimalista de este tipo de pinturas. La primera impresión es la de contemplar un sucio y caótico paisaje perfectaente inhabitable. Sin embargo, una observación detallada revela pequeños oasis de paz en forma de diminutos templos o pagodas junto a campos de arroz, mezclados con pequeños mensajes subliminales en forma de collage, o escondidas referencias a iconos japoneses que se manifiestan como sombras de un inconsciente colectivo. Reuniendo estas piezas, nos convertimos en espectadores de una historia que acontece según nos desplazamos por los paneles de largísimos biombos. Son esos treinta centímetros necesarios para la contemplación del detalle lo que nos permite sumergirnos en el cuadro. Para entonces, nuestra vista ya no podrá ni deseará escapar de ese detallista mundo filtrado por el artista desde las oscuridades del nihonga.

En contra del preciosismo de Mise, Matsui Fuyuko opta por la simplicidad tradicional de los retratos del nihonga. Sus pinturas en formato en rollo (kakejiku), nos hablan de etéreos personajes surgidos de ultratumba rodeados de un halo fantasmagórico y perturbador, sin duda ampliado por los diluidos trazos sobre el carnoso papel japonés. Muchas de sus representaciones humanas, parecen surgidas de un teatro Noh en penumbra, en donde figuras humanoides se aparecen ante la tenue luz de las velas. Mientras que las pinturas de animales presentan a famélicos especímenes, que parecen reprobarnos algunos de nuestros más bajos instintos animales.

Obras de un "clasicismo moderno" tan poderoso, que no dudaría en colocar en mi tokonoma si tuviera.